ADRIANA LECOUVRER

Adriana Lecouvreur es una ópera en cuatro actos con música de Francesco Cilea y libreto en italiano de Arturo Colautti, basado en la obra teatral de Eugène Scribe y Ernest Legouvé. Fue estrenada en el Teatro Lírico de Milán, el 6 de noviembre de 1902 con la participación de Enrico Caruso. La misma obra de Scribe y Legouvé que sirvió como base a los libretistas de Cilea se usó igualmente por al menos tres libretistas diferentes para óperas que tienen el mismo nombre, Adriana Lecouvreur, y creadas por tres compositores diferentes. La primera fue una ópera en tres actos por Tommaso Benvenuti (estrenada en Milán en 1857). Las dos siguientes fueron dramas líricos en cuatro actos por Edoardo Vera (según un libreto de Achille de Lauzières) que se estrenó en Lisboa en 1858, y por Ettore Perosio (según un libreto anónimo) se estrenó en Ginebra en 1889. Después de que Cilea crease su propia Adriana, sin embargo, ninguna de las otras se volvieron a representar y son, en gran medida, ya hoy desconocidas.
La ópera se basa en la vida de la actriz francesa Adrienne Lecouvreur (1692–1730). Mientras hay algunas figuras históricas en la ópera, el episodio que relata es en gran medida ficción, su muerte por violetas envenenadas a menudo la señalan como la ópera verista menos realista. Cilea utilizó el recurso del leitmotiv en Adriana Lecouvreur. Así, se puede destacar el tema de la princesa, siniestro y misterioso, y que es citado en diversas formas en todos los actos. Se presenta en forma clara y destacada al inicio del segundo acto, cuando la princesa aparece en escena por primera vez. También son resaltantes el tema de Adriana, que aparece por primera vez en el primer acto con el aria de entrada de la protagonista cuando canta Io son l’umile ancella; y el tema de los comediantes, ligero y amable, que aparece en el primer acto y el último.

AFRICANA, LA

L’Africaine es una Grand Opéra en cinco actos con música de Giacomo Meyerbeer (su última obra) y libreto en francés de Eugène Scribe. La obra trata de acontecimientos ficticios en la vida del personaje histórico Vasco de Gama. Meyerbeer trabajó en la obra a partir de 1837, pero de forma intermitente, interrumpiendo su elaboración varias veces para dedicarse a Le prophète. Finalmente, se dedicó a concluir la obra entre 1857 y 1860. La ópera se estrenó por la ópera de París en la sala de la Rue le Peletier el 28 de abril de 1865, en una edición completada por el musicólogo belga François-Joseph Fétis, ya que el compositor, fallecido el año anterior, no había dejado una versión definitiva. La única parte de la ópera conocida para la mayoría de los aficionados a la ópera es el aria de tenor del acto cuarto Oh, paradis!, llevada al disco por los principales tenores de la historia

AGRIPINA

Agripina (Agrippina) es una ópera seria en tres actos de Georg Friedrich Händel, con libreto del Cardenal Vincenzo Grimani. Fue estrenada en Venezia, 1709. La ópera narra la historia de Agripinila, madre de Nerón, quien estuvo implicada en el complot contra el emperador Claudio para entronizar a su hijo. El libreto de Grimani, es considerado uno de los mejores que musicalizó Händel. Una historia similar había usado antes Monteverdi, como el tema de La coronación de Popea (1642), pero el libreto de Grimani se centra en Agripina, un personaje que no aparece en la versión de Monteverdi. Su estreno tuvo lugar en Venecia, en el Teatro San Giovanni Grisostomo, convirtiéndose en un éxito inmediato. A partir de la noche del estreno tuvo 27 representaciones consecutivas, algo insólito, y recibió gran aplauso de la crítica. El público alabó mucho la calidad de la música, gran parte de la cual, como era habitual en la época, había sido tomada prestada de otras obras, incluyendo algunas de otros compositores.

AIDA

Aida es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Antonio Ghislanzoni, basado en la versión francesa de Camille du Locle de la historia propuesta por el egiptólogo francés Auguste Mariette. Aida fue estrenada en el Teatro de Ópera del Jedive en El Cairo el 24 de diciembre de 1871, dirigida por Giovanni Bottesini. En contra de la creencia popular, la ópera no se escribió para conmemorar la inauguración del Canal de Suez en 1869, ni tampoco para el Teatro de Ópera del Jedive (que se abrió con el Rigoletto de Verdi) en el mismo año. A Verdi le pidieron componer una oda para la apertura del Canal, pero declinó la petición arguyendo que no escribía “piezas ocasionales”. Se intentó convencer nuevamente a Verdi, e incluso a Gounod o Wagner. Cuando Verdi leyó el argumento escrito por Auguste Mariette lo consideró como una buena opción y finalmente aceptó el encargo. Aida tuvo gran éxito cuando finalmente se estrenó en El Cairo el 24 de diciembre de 1871. Verdi se acercó al género de la Grand Opéra, creando una obra espectacular, de gran despliegue escénico (grandes coros y escenas, efectos especiales). La representación fue grandiosa. El vestuario, los accesorios y el escenario para el estreno fueron diseñados por Auguste Mariette. La corona que ceñía Amneris era de oro macizo y las armas de Radamés de plata. Fueron sus protagonistas la soprano Antonietta Pozzoni (Aida), el tenor Pietro Mongini (Radamés), la mezzosoprano Eleonora Grossi (Amneris) y el barítono Francesco Steller (Amonasro)

ANA BOLENA

Ana Bolena es una tragedia lírica en dos actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Felice Romani, basado en Enrico VIII ossia Anna Bolena de Ippolito Pindemonte y Anna Bolena de Alessandro Pepoli, ambas sobre la vida de Ana Bolena, la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra. Fue estrenada en el Teatro Carcano de Milán, el 26 de diciembre de 1830.

ANDREA CHENIER

Andrea Chénier es un drama de ambiente histórico en cuatro actos con música de Umberto Giordano y libreto en italiano de Luigi Illica, versión libre sobre la vida del poeta francés André Chénier (1762-1794), quien fue ejecutado durante la Revolución Francesa. Esta ópera verista fue estrenada en La Scala de Milán el 28 de marzo de 1896. Es la ópera más famosa de Giordano y, junto con Fedora, aún hoy está en el repertorio.
La obra se estrenó en el Teatro Alla Scala, Milán, el 28 de marzo de 1896 con Evelina Carrera, Giuseppe Borgatti (quien reemplazó a Alfonso Garulli a última hora) y Mario Sammarco en los papeles principales de soprano, tenor y barítono respectivamente.

ANILLO DEL IBELUNGO, EL

Der Ring des Nibelungen es un ciclo de cuatro óperas épicas (si bien el autor prefería el término drama), compuestas por Richard Wagner y basadas libremente en figuras y elementos de la mitología germánica, particularmente las Sagas islandesas, así como del cantar de los nibelungos medieval. Estas óperas son El oro del Rin (Das Rheingold), La valquiria (Die Walküre), Sigfrido (Siegfried) y El ocaso de los dioses (Götterdämmerung); todas ellas forman parte del Canon de Bayreuth. La música y el libreto fueron escritos por Richard Wagner en el curso de veintiséis años, de 1848 a 1874.
El Anillo es un trabajo de extraordinaria escala que Wagner tardó más de un cuarto de siglo en escribir. Su cualidad más obvia, para alguien que la escuche por primera vez, es su extensa longitud: una representación entera del ciclo se extiende durante cuatro noches de ópera, con un tiempo total de quince horas, dependiendo de la velocidad que el director imprima a la ejecución de la partitura. La primera y más corta de las óperas es su prólogo, El oro del Rin, que generalmente dura dos horas y media, mientras que la más larga y última, El ocaso de los dioses, puede llegar a las cinco horas. Como tetralogía, está modelada como los antiguos dramas griegos, que eran presentados como una trilogía de tres tragedias y una sátira. Como tal, el Anillo propiamente consiste en un prólogo, El oro del Rin, y tres jornadas, La valquiria, Sigfrido y El ocaso de los dioses. La escala de esta historia es épica. Sigue las luchas entre dioses, héroes y varias criaturas mitológicas acerca del epónimo anillo mágico que otorga dominación sobre el mundo entero. El drama y la intriga continúan a través de tres generaciones de protagonistas, hasta el cataclismo final en El ocaso de los dioses.
La técnica del motivo temático musical, o leitmotiv, es utilizada de manera magistral por Wagner a lo largo de la tetralogía. Los motivos temáticos van sonando a medida que los principales personajes, emociones, lugares y otras circunstancias van apareciendo en la obra, y reaparecen evolucionando de muy diferente manera a lo largo de esta.
Wagner escribió el Anillo para una orquesta de muy grandes proporciones. Incluso promovió la construcción de un teatro ex profeso, el Bayreuther Festspielhaus, erigido en Bayreuth, para poder realizar el montaje del ciclo completo. El teatro cuenta con un escenario especial, concebido por Wagner para equilibrar el sonido de la orquesta con la voz de los cantantes, permitiéndoles cantar con un volumen natural. Como resultado, los cantantes no necesitan esforzarse tanto vocalmente durante las largas representaciones. La acústica del Festspielhaus está entre las mejores del mundo.
El anillo del nibelungo, a causa de su tamaño y seriedad, se presta muy bien para la parodia. Una parodia muy conocida ¿Qué es ópera, Doc de Looney Tunes, en la que Bugs Bunny hace el rol de Brunilda y Elmer hace el rol de Sigfrido. Se dice que esta ópera inspiró asimismo al autor de El Señor de los Anillos J. R. R. Tolkien. Sin embargo, el mismo Tolkien lo negó aduciendo que se basaron en las mismas fuentes mitológicas. Incluso el exitoso grupo de músicos argentinos de instrumentos informales Les Luthiers hace referencia a esta obra en su canción “Muerte y despedida del dios Brotan”, relatando de manera hilarante la cuarta y última parte del Anillo del Nibelungo.

ARIADNA

Es la segunda ópera del compositor italiano Claudio Monteverdi, compuesta entre 1607 y 1608. Es una de las óperas más representativas del barroco y una de las que más influyeron en la obra lírica posterior. L’Arianna fue estrenada el 28 de mayo de 1608 como parte de las festividades musicales realizadas con motivo de una boda real en la corte del duque Vincenzo Gonzaga en Mantua. Las partituras de la música original se han perdido, exceptuando el recitativo conocido como «Lamento d’Arianna» que sobrevive gracias a que fue publicado independientemente por Monteverdi en diferentes versiones. Este fragmento se convirtió en una obra musical de gran influencia y ha sido ampliamente imitado; es más, el «lamento expresivo» se convirtió en una característica integral de la ópera italiana durante gran parte del siglo xvii.

BARBERO DE SEVILLA, EL

El barbero de Sevilla es una ópera bufa en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare Sterbini, basado en la comedia del mismo nombre (1775) de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais. El estreno (titulado originalmente Almaviva, o la precaución inútil) tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina, Roma. El barbero de Rossini ha demostrado ser una de las grandes obras maestras de la comedia dentro de la música, y ha sido descrita como la ópera bufa de todas las óperas bufas. Incluso después de doscientos años, su popularidad en la escena de la ópera moderna atestigua su grandeza. Previamente se escribieron otras obras de la misma temática: El barbero de Paisiello triunfó por un tiempo sobre la de Rossini. También en 1796 Nicolas Isouard compuso otra. Al final, la versión posterior de Rossini es la que ha soportado mejor el paso del tiempo y es la única que se mantiene en el repertorio.
La ópera de Rossini relata la primera de las obras de la trilogía de Fígaro, por el dramaturgo francés Pierre Beaumarchais, mientras que la ópera de Mozart Las bodas de Fígaro, compuesta 30 años antes en 1786, se basa en la segunda parte de la trilogía de Beaumarchais. Rossini se había comprometido a escribir dos óperas para el carnaval de Roma de 1816. La primera se acabó el 26 de diciembre de 1815 y el mismo día se puso a hacer la segunda para el 20 de enero de 1816, sin ningún conocimiento de lo que el libreto sería. Sterbini le proporcionó la historia del Barbero, y tan pronto como entregó los versos, Rossini escribió la música. Toda la obra se terminó en menos de tres semanas. Su título original fue Almaviva, o sea la precaución inútil para distinguirla del Barbero de Sevilla de Paisiello.

BODAS DE FÍGARO, LAS

Las bodas de Fígaro (título original en italiano, Le nozze di Figaro) es una ópera bufa en cuatro actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte, basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, Le mariage de Figaro. Fue compuesta entre 1785 y 1786 y estrenada en Viena el 1 de mayo de 1786 bajo la dirección del mismo compositor. Es considerada como una de las mejores creaciones de Mozart y una de las óperas más importantes de la historia de la música. A pesar de recibir muchas críticas en su época, logró grandes éxitos en sus representaciones.

BOHEME, LA

La bohème (en español: La bohemia) es una ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, sobre la novela en entregas Escenas de la vida bohemia de Henry Murger, publicada en el periódico El Corsario a lo largo de cinco años (1845-49), una colección de viñetas que retrata a jóvenes bohemios que viven en el Barrio Latino de París en la década de 1840. Y de alguna manera refleja las vivencias de Puccini durante los años de estudiante en el conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni.
El estreno de La bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, dirigido por un joven Arturo Toscanini. Actualmente, La bohème es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar. Como la obra teatral de 1849 de Murger y Théodore Barrière, el libreto de la ópera se centra en la relación entre Rodolfo y Mimí, acabando con su muerte. También como en la obra, el libreto funde dos personajes de la novela, Mimí y Francine, en un solo personaje, Mimí.

BUQUE FANTASMA, EL

El holandés errante o El buque fantasma es una ópera romántica en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, inspirado por las Memorias del señor de Schnabelewopski, de Heinrich Heine. Se estrenó en Dresde, en la Hofoper, el 2 de enero de 1843. Forma parte del Canon de Bayreuth. Wagner dijo en su autobiografía del año 1870 Mein Leben que él se había inspirado para escribir “El holandés errante” después de un tormentoso paso por el mar desde Riga hasta Londres en julio y agosto de 1839, pero en su Esbozo autobiográfico de 1843 reconoció que había tomado la historia del relato que Heinrich Heine hizo de la leyenda en su novela satírica de 1834 Las memorias del señor de Schnabelewopski. El tema central es la redención a través del amor. El estreno sudamericano tuvo lugar en La Plata el 19 de noviembre de 1886 y en Buenos Aires en el Teatro Politeama el 9 de agosto de 1887

CAVALLERIA RUSTICANA

Cavalleria rusticana es un melodrama en un acto con música de Pietro Mascagni y libreto en italiano de Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci, basado en un relato del novelista Giovanni Verga. Considerada una de las clásicas óperas del verismo, se estrenó el 17 de mayo de 1890 en el Teatro Constanzi de Roma. Cavalleria rusticana sigue siendo una de las óperas más populares. Por su corta duración (1 hora 15 minutos), desde 1893 se ha representado a menudo en un programa doble de dos horas y media llamado Cav/Pag, con Pagliacci de Ruggero Leoncavallo. Hay piezas que se suelen interpretar por separado en conciertos, como los coros o el intermedio orquestal. La popularidad de esta obra, de gran emotividad, se vio enormemente reforzada por la inclusión de parte de una representación de la misma en la película El padrino III, asimismo la obra representa el tema principal de la película de Martin Scorsese Toro Salvaje.

CARMEN

La obra se estrenó el 3 de marzo de 1875 en el Opéra-Comique de París, fue un fracaso rotundo que acaso aceleró la muerte de Bizet. Estuvo a punto de retirarse casi después de su cuarta o quinta representación, y aunque esto se evitó, al final llegó a las 48 representaciones en su primera temporada. Cerca del final de su temporada, el teatro regalaba entradas para incrementar la audiencia. Bizet murió de un ataque al corazón, a los 36 años de edad, el 3 de junio de 1875, sin llegar a saber nunca cuán popular iba a ser Carmen. En octubre de 1875 fue producida en Viena, con éxito de público y crítica, lo que marcó el inicio de su popularidad mundial. La historia de “Carmen” está ambientada en Sevilla (España) alrededor de 1820, y la protagoniza una bella gitana de temperamento fiero. Carmen, libre con su amor, seduce al cabo don José, un soldado inexperto. La relación de Carmen con el cabo motiva que éste rechace su anterior amor, se amotine contra su superior y como desertor se una a un grupo de contrabandistas. Finalmente, cuando ella vuelca su amor en el torero Escamillo, los celos impulsan a don José a cometer el asesinato de Carmen.

CENERENTOLA, LA

La Cenicienta, o sea la bondad triunfante es una ópera cómica en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Jacopo Ferretti, basado en el cuento de hadas La Cenicienta. La ópera se estrenó en el Teatro Valle de Roma el 25 de enero de 1817.
Rossini compuso La Cenicienta cuando tenía 25 años de edad, tras el éxito de El barbero de Sevilla el año antes. Se considera que La Cenicienta, que terminó en un período de tres semanas, contiene algunas de sus mejores composiciones para voz solista y conjuntos. Rossini ahorró algo de tiempo reutilizando una obertura de La gazzetta y parte de un aria de El barbero de Sevilla y haciéndose con un colaborador, Luca Agolini, quien escribió los recitativos secco y tres números (“Vasto teatro è il mondo” de Alidoro, “Sventurata!” de Clorinda y el coro “Ah, della bella incognita”). Rossini compuso esta ópera a los 25 años de edad, en tan solo tres semanas. El empresario del Teatro Valle, rival del Teatro Argentina donde fue estrenada Il barbiere di Siviglia, contrató a Rossini para componer una ópera un año después del éxito de aquella. Llaman la atención las diferencias con el cuento de hadas tradicional de Perrault, siendo el más notable que se sustituye la hada madrina por un hombre de carne y hueso, coincidiendo con los requerimientos que impuso Rossini al libretista: no debían utilizarse elementos sobrenaturales.

CONDENACION DE FAUSTO, LA

La Damnation de Faust es una obra para orquesta, voces, y coro, compuesta por Hector Berlioz, quien la llamaba “légende dramatique”. Es una obra entre la ópera y la sinfonía coral. Berlioz escribió el libreto con ayuda de Almire Gandoniére, a partir de la obra de Goethe Fausto. Se estrenó en París el 6 de diciembre de 1846, en versión de concierto. La condenación de Fausto se representa regularmente en salas de conciertos y ocasionalmente en escena como una ópera. Tres secciones de esta obra, la Marche Hongroise (Marcha húngara), Ballet des sylphes, y Menuet des folles se interpretan separadamente como piezas independientes bajo el título “Tres piezas orquestales de La Damnation de Faust.”

COSI FAN TUTTE

Così fan tutte ossia La scuola degli amanti es un drama jocoso en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte. La primera vez que se representó Così fan tutte fue en el Burgtheater de Viena, el 26 de enero de 1790. Così fan tutte es una de las tres óperas de Mozart para las que Da Ponte escribió el libreto. Las otras dos colaboraciones entre Da Ponte y Mozart fueron Las bodas de Fígaro y Don Giovanni. La traducción literal del título es “Así hacen todas (las mujeres)”, y menos literalmente: “lo mismo hacen todas” o “Las mujeres son así”. Estas palabras son cantadas por los tres hombres cuando hablan del voluble amor femenino, en el segundo acto, cuadro III, justo antes del finale.

CUENTOS DE HOFFMANN, LOS

Los cuentos de Hoffmann es una ópera en tres actos, con prólogo y epílogo, música de Jacques Offenbach y libreto en francés de Jules Barbier. Se basa en una obra que el propio Barbier y Michel Carré habían escrito sobre cuentos de E. T. A. Hoffmann. El mismo Hoffmann es un personaje de la ópera, como él mismo hacía en muchas de sus historias. El número más famoso de la ópera es la “Barcarolle” (Belle nuit, ô nuit d’amour), que se interpreta en el Acto III. Curiosamente, el aria no fue escrita por Offenbach pensando en Los cuentos de Hoffmann. La escribió como “Canción de los elfos” en la ópera Die Rheinnixen (Las hadas del Rin), que se estrenó en Viena el 8 de febrero de 1864. Offenbach murió con Los cuentos de Hoffmann inacabados. Ernest Guiraud completó la partitura y escribió los recitativos para el estreno. La barcarola inspiró al compositor inglés Kaikhosru Shapurji Sorabji para escribir su Passeggiata veneziana sopra la Barcarola di Offenbach (1955–56). La barcarola se ha usado en muchas películas, incluyendo La vida es bella y Titanic. También proporcionó la melodía para la interpretación de Elvis Presley de la canción “Tonight Is So Right For Love” en la película G.I. Blues (1960).

DON CARLO

Don Carlos es una ópera en cinco actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en francés de François Joseph Méry y Camille du Locle, basado en el drama Dom Karlos, Infant von Spanien de Schiller. Tuvo su primera representación en el Teatro Imperial de la Ópera el 11 de marzo de 1867. Para Verdi esta ópera representaba la lucha de la libertad contra la opresión política y religiosa, representadas en los personajes de Felipe II y el Gran Inquisidor. La historia se basa en conflictos en la vida del príncipe Carlos (1545–1568) después de que su prometida, Isabel de Valois, se casara en lugar de ello con su padre el rey Felipe II como parte del tratado de paz que puso fin a la guerra italiana de 1551-1559 entre las Casas de Habsburgo y Valois; aparecen la Contrarreforma, la Inquisición y la rebelión de los calvinistas en Flandes, Brabante y Holanda.

DON GIOVANNI

El libertino castigado o Don Juan es un drama jocoso en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte basado en la obra de Antonio de Zamora. Se estrenó en el Teatro de Praga el 29 de octubre de 1787. El libreto de Da Ponte fue considerado por muchos en la época como dramma giocoso, un término que denota una mezcla de acción cómica y seria. Mozart introdujo la obra en su catálogo como una “ópera buffa”. Mozart compuso la ópera entre marzo y octubre de 1787, en Viena y en Praga, basada en el mito de Don Juan (el correspondiente italiano de Juan es Giovanni). Surgió como un encargo a raíz del éxito que tuvo en esta última ciudad el estreno de su anterior ópera, Las bodas de Fígaro. Acabó la partitura el 28 de octubre del mismo año, después de que Da Ponte fuera llamado a Viena para trabajar en otra ópera.

ELIXIR DE AMOR, EL

El elixir de amor es una ópera cómica en dos actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Felice Romani, basado en el libreto Le Philtre (1831) de Eugène Scribe para la ópera de Daniel-François Auber. El elixir de amor es una de las óperas más frecuentemente interpretadas de todas las de Donizetti y hay buen número de grabaciones. El número musical más conocido de la ópera es el aria “Una furtiva lágrima”, pieza decididamente considerada “del bel canto”. El elixir de amor sería un muestrario de vicios y defectos, si no fuese gracias a la presencia de Nemorino, el campesino sencillo e ingenuo, capaz de vivir los grandes sentimientos que otros desconocen. Nemorino, simplemente, ama.

FAUSTO

Fausto es una grand opera en cinco actos con música de Charles Gounod y libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, versión de la leyenda de Fausto; adapta la pieza teatral Faust et Marguerite de los mismos Barbier y Carré, inspirada levemente en el Fausto, parte I, de Goethe. Se estrenó en el Théâtre Lyrique en París el 19 de marzo de 1859. Gounod se decidió a tratar el tema de Fausto respondiendo al clima general de admiración por la intelectualidad germánica que se estaba creando en Francia, y que generaría la adaptación de obras de Goethe para la escena francesa, y el primer intento fallido de Wagner de estrenar en París (1861).

FEDORA

Fedora es una ópera en tres actos con música de Umberto Giordano y libreto de Arturo Colautti basado en un drama con el mismo nombre de Victorien Sardou. Fue estrenada el 17 de noviembre de 1898 en el Teatro Lírico de Milán. El drama transcurre en Rusia, Francia y Suiza, durante el final del siglo XIX. Fedora no fue muy bien recibida por la crítica europea, pero el interés por ella ha aumentado en los últimos años gracias a las grabaciones discográficas, algunas con notables intérpretes del papel principal, como Mirella Freni, Renata Scotto. Estrenada por el tenor Enrico Caruso, su aria más famosa es “Amor ti vieta”.

FIDELIO

Fidelio o el amor conyugal (título original en alemán, Fidelio oder die eheliche Liebe, Op. 72) es una ópera en dos actos con música de Ludwig van Beethoven. El libreto en alemán es obra de Joseph F. Sonnleithner, a partir del texto original en francés de Jean-Nicolas Bouilly. Es la única ópera que compuso Beethoven. La ópera cuenta cómo Leonora, disfrazada como un guardia de la prisión llamado “Fidelio”, rescata a su marido Florestán de la condena de muerte por razones políticas.

FLAUTA MÁGICA, LA

La flauta mágica es un singspiel en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en alemán de Emanuel Schikaneder. Es la última ópera escenificada en vida del compositor y estrenada en el Freihaus-Theater auf der Wieden de Viena, el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección del propio Mozart, apenas dos meses antes de su muerte.
El singspiel es un tipo de ópera popular cantada en alemán, en el que se intercalan partes habladas. Cuando Mozart estrenó La flauta mágica tenía treinta y cinco años y sólo le quedaban dos meses de vida. Al conocer que un teatro rival iba a estrenar otra ópera con igual asunto, se modificó por completo la acción dotándola, además, de una significación simbólica de acuerdo con las prácticas masónicas, ya que tanto Mozart como Schikaneder pertenecían a la misma Logia. El elemento mítico y maravilloso adquirió en La flauta mágica un gran relieve. Según muchos historiadores y críticos, hay una importante influencia masónica en la ópera, debido a que Mozart fue iniciado en la logia masónica de Viena llamada Zur Wohltätigkeit (“La Beneficencia”) el 14 de diciembre de 1784. Cuando se produjo el estreno de La flauta mágica, la masonería acababa de ser prohibida en los dominios del emperador Jose II por su relación en ese país con los Iluminados de Baviera.

FUERZA DEL DESTINO, LA

La fuerza del destino es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Don Álvaro o la fuerza del sino (1835) del escritor español Ángel de Saavedra, Duque de Rivas. Fue representada por vez primera en el Teatro Bolshói Kámenny (luego Teatro Mariinski) de San Petersburgo, Rusia, el 10 de noviembre (fecha antigua; es el 22 de noviembre) de 1862. Verdi sentía inclinación por los temas españoles. Fue estrenada con la presencia del compositor el 10 de noviembre de 1862 (29 de octubre de 1862, según el calendario juliano, todavía en vigor en el Imperio Ruso hasta 1918). El público no quedó muy satisfecho con la obra, dado que esperaba un libreto menos dramático, más ligero. Pero a pesar de todo, Verdi recibió las felicitaciones del zar Alejandro II de Rusia, que acudió a la cuarta representación, y la crítica.

GIANNI SCHICCHI

(véase Tríptico, El)

GUILLERMO TELL

Guillermo Tell es una ópera en cuatro actos con música de Gioachino Rossini y libreto en francés de Étienne de Jouy e Hippolyte Bis, basados en la obra Wilhelm Tell de Friedrich Schiller que tiene como protagonista al legendario héroe de la independencia suiza Guillermo Tell. Guillermo Tell fue la última ópera compuesta por Rossini, que decidió componerla para la Ópera de París a cambio de una pensión vitalicia otorgada por el gobierno francés. Fue estrenada en el Théâtre de l’Académie Royale de Musique de París el 3 de agosto de 1829. La versión original fue escrita para el público parisino siguiendo el estilo de la grand opéra, pero inmediatamente se hicieron varias versiones italianas, más cortas. Esta obra se aleja del esquema habitual de la ópera rossiniana. En ella no se encuentran las cabaletas o los crescendo de su época anterior. Se trata de una ópera seria y de gran extensión, de gran impulso dramático y lírico, proveniente de la partitura. Esto convierte a Guillermo Tell en una ópera romántica. Su obertura se popularizó a partir de su uso en el programa televisivo “El Llanero Solitario” –en su versión original-

LAKMÉ

Lakmé es una ópera en tres actos con música de Léo Delibes y libreto en francés de Edmond Gondinet y Philippe Gille, basado en la novela Rarahu ou Le Mariage de Pierre Loti (1880). Su estreno mundial tuvo lugar en el Teatro de la Opéra-Comique, en París, en 1883. Delibes escribió la partitura en el período 1881–82. Se ambienta en la India Británica de mediados del siglo XIX. La ópera incluye el famoso y popular Dúo de las flores (Sous le dôme épais) para soprano y mezzosoprano interpretado en el acto primero por el personaje principal, Lakmé, la hija de un sacerdote brahmán, y su criada Mallika. Otra aria famosa de la ópera es la Canción de las campanillas (L’Air des clochettes) en el acto segundo. Como otras óperas francesas de la época, Lakmé capta el ambiente de Oriente que estaba en boga durante la parte final del siglo XIX en línea con otras obras operísticas como Los pescadores de perlas de Bizet

LUCIA DE LAMMERMOOR

Lucía de Lammermoor (título original en italiano, Lucia di Lammermoor) es un drama trágico en tres actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basado en la novela The Bride of Lammermoor de Sir Walter Scott. Donizetti escribió Lucía de Lammermoor en 1835, una época en la que varios factores lo habían llevado a la cumbre de su reputación como compositor de ópera. Gioachino Rossini se acababa de retirar y Vincenzo Bellini había muerto poco después del estreno de Lucía. La historia se refiere a Lucy Ashton (Lucía), una joven mentalmente frágil que se ve atrapada en la enemistad entre su propia familia y la de los Ravenswood. Se ambienta en las colinas Lammermuir (Lammermoor) de Escocia en el siglo XVII. Fue estrenada en el Teatro de San Carlos en Nápoles el 26 de septiembre de 1835. Donizetti revisó la partitura para una versión en francés, Lucie de Lammermoor, que se estrenó el 6 de agosto de 1839 en el Théâtre de la Renaissance en París.
Sin embargo, durante décadas Lucía se consideró como mera pieza de lucimiento para sopranos de coloratura y era parte poco conocida del repertorio operístico. Después de la Segunda Guerra Mundial, un pequeño número de sopranos muy capaces, las más destacadas de ellas fueron primero Maria Callas (con interpretaciones desde 1952 y especialmente aquellas de La Scala y Berlín en 1954/55 bajo la dirección de Herbert von Karajan) y después Dame Joan Sutherland (con sus interpretaciones de 1959 en la Royal Opera House Covent Garden, que se repitieron en 1960), revivieron la ópera en toda su gloria trágica original.

MACBETH

Macbeth es una ópera en cuatro actos y diez cuadros con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave y Andrea Maffei, estrenada en el Teatro Della Pergola, de Florencia el 14 de marzo de 1847. El libreto está basado en la tragedia homónima de William Shakespeare. Fue la décima ópera de Verdi y también la primera de las obras de Shakespeare que adaptó a la escena operística. De su ópera Macbeth, Verdi escribió: He aquí este Macbeth, el cual amo más que a todas mis otras óperas. Escrita después del éxito de Atila en 1846 para entonces el compositor estaba bien establecido, pero fue anterior a los grandes éxitos de 1850 a 1853, Rigoletto, El Trovador y La Traviata que impulsaron a Verdi a una fama universal. Como fuente, las obras de Shakespeare inspiraron a Verdi durante toda su vida: algunas, como Re Lear nunca las llegó a realizar pero escribió sus dos últimas óperas usando Otelo como base para Otelo (1887) y Las alegres comadres de Windsor para Falstaff (1893).

MADAMA BUTTERFLY

Madama Butterfly es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. Puccini basó su ópera en parte en el cuento “Madame Butterfly” (1898) de John Luther Long, que fue dramatizada por David Belasco. Puccini también se basó en la novela Madame Chrysanthème (1887) de Pierre Loti. Estaría basada en acontecimientos que realmente ocurrieron en Nagasaki a principios de los años 1890. Puccini escribió cinco versiones de la ópera. La versión original de la ópera, en dos actos, fue estrenada el 17 de febrero de 1904 en La Scala de Milán. Puccini retiró la ópera y la reescribió notablemente, dividiendo el segundo acto en dos y haciendo otros cambios. La segunda versión revisada que conquistó a la audiencia se estrenó en Brescia el 28 de mayo de 1904. Se estrenó en Argentina el 2 de julio de 1904 en el Teatro de la Ópera, Buenos Aires. En 1908 se estrenó en el nuevo Teatro Colón. En 1906, Puccini escribió más tarde una tercera versión. El estreno en el Met el 11 de febrero de 1907 contó con la presencia de Puccini y cantaron Geraldine Farrar y Enrico Caruso. Su aria más famosa es la interpretada por Cio-Cio San (soprano) “Un bel di vedremo”.

MANON LESCAUT

Manon Lescaut es una ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano escrito sucesivamente por varias personas: Ruggiero Leoncavallo, Domenico Oliva, Marco Praga, Giuseppe Giacosa, Luigi Illica, Puccini y Giulio Ricordi. Está basada en la obra L’historie du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut (1731) del Abad Prévost, que fue de inspiración también para la ópera Manon de Jules Massenet. Fue estrenada 1 de febrero de 1893 en el Teatro Regio de Turín. Puccini utilizó algunos elementos musicales de anteriores obras que él había escrito. Por ejemplo, el madrigal Sulla vetta tu del monte del acto segundo refleja el Agnus Dei de su Misa a cuatro voces de 1880. Otros elementos de Manon Lescaut proceden de su composición para cuerdas: el cuarteto Crisantemi (enero de 1890), tres Minuetos (probablemente de 1884) y un Scherzo (1883). El tema de amor procede del aria Mentia l’avviso (1883). La primera representación de Manon Lescaut tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín en el año 1893. Manon Lescaut fue la tercera ópera de Puccini y su primer gran éxito

MEFISTÓFELES

Mefistófeles es una ópera en cuatro actos, con prólogo y epílogo; con música y libreto del compositor italiano Arrigo Boito (1868), Mefistófeles es una de las muchas obras de música clásica que se basa en la leyenda de Fausto, y como muchos otros compositores, Boito usó la versión de Goethe como su punto de partida. Fue estrenada el 5 de marzo de 1868 en La Scala de Milán bajo la batuta del propio compositor, a pesar de su falta de experiencia y habilidad como director. Después de sólo dos interpretaciones (la segunda fue dividida en dos noches), la ópera fue retirada. Boito inmediatamente se puso a trabajar revisando la ópera, reduciendo grandemente su longitud y haciendo muchas escenas en menor escala. Por ejemplo, quitó todo el Acto IV original y reescribió el Acto V como un epílogo, añadiendo el dúo Lontano, lontano en el proceso. Fausto fue cambiado de barítono a tenor.

MURCIÉLAGO, EL

El murciélago es una opereta cómica en tres actos con música de Johann Strauss (hijo) y libreto en alemán de Carl Haffner y Richard Genée. Se estrenó el 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien en Viena, Austria. El murciélago se basa en una comedia alemana de Julius Roderich Benedix llamada Das Gefängnis (La prisión), que a su vez se basa en un vodevil, Le Réveillon, de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. El papel de Eisenstein fue originalmente escrito para un tenor, pero actualmente es cantado con frecuencia por un barítono. En Argentina se han realizado varias reposiciones traducidas al italiano.

NABUCCO

Nabucco es una tragedia lírica en cuatro partes con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Temistocle Solera, basada en el Antiguo Testamento y la obra Nabuchodonosor, de Francis Cornue y Anicète Bourgeois. Fue estrenada el 9 de marzo de 1842 en el teatro Alla Scala de Milán, con Giuseppina Strepponi en el papel de Abigaille. Esta ópera fue el primer éxito importante del compositor y con ella se inician los llamados años de galera, en los que compuso a un ritmo frenético, produciendo diecisiete óperas en doce años. El éxito se debe en parte a las cualidades musicales de la obra y en parte a la asociación que hacía el público entre la historia del pueblo judío y las ambiciones nacionalistas de la época. Uno de los símbolos que utilizó, y quizás sigue utilizando, el pueblo para reforzar el ideal independentista fue el coro Va, pensiero, del tercer acto, uno de los pasajes corales más representativos de la época. El número más conocido de la ópera es el “Coro de los esclavos judíos,” Va, pensiero, sull’ali dorate / “Vuela, pensamiento, en alas doradas.” En su época, los italianos lo asimilaron como un canto contra la opresión extranjera en que vivían. No es fácil conseguir una soprano dramática que pueda medirse con la despiadada tesitura de la malvada Abigail. Ha sido considerado como la caída de numerosas cantantes. Fue caballo de batalla de María Callas en los comienzos de su carrera.

NORMA

Norma es una tragedia lírica en dos actos con música de Vincenzo Bellini y libreto en italiano de Felice Romani (basado en la tragedia Norma, ossia L’infanticidio de Alexandre Soumet), estrenada en el Teatro Alla Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831. Se considera un ejemplo de la mayor altura de la tradición belcantista. “Casta diva” fue una de las arias más conocidas en el siglo XIX y continúa siendo una de las más populares del repertorio lírico. Después de La sonámbula, Bellini cambió de registro y pasó a la tragedia. Norma pone de manifiesto las excepcionales dotes teatrales del compositor para explorar las profundidades del drama romántico. La figura de Norma ocupa un lugar destacado entre los grandes personajes femeninos de la historia de la ópera. Los antecedentes de la heroína belliniana se encuentran en las óperas Medea de Cherubini (1797) y La vestal (1807) de Spontini, la primera desarrolla el tema del infanticidio como venganza y la segunda el de la sacerdotisa que rompe sus votos. Norma es una mujer de sentimientos profundos y contradictorios: suma sacerdotisa y madre, amante abandonada y rival vengativa, todo en una misma persona. Su trágico final es consecuencia inevitable de sus conflictos emocionales y de la incompatibilidad entre el voto religioso, el deber hacia su pueblo y el amor no correspondido

ORFEO Y EURÍDICE

Orfeo y Eurídice es una ópera en tres actos del compositor alemán Christoph Willibald von Gluck, con libreto de Raniero di Calzabigi, que data de 1762 y basada en el mito de Orfeo. Pertenece al género de azione teatrale (acción teatral), que implica que la ópera se basa en un tema de la mitología y utiliza danzas y coros. La pieza se estrenó en Viena el 5 de octubre de 1762. Pensado originalmente para un libreto en italiano, Orfeo y Eurídice le debe mucho al género de la ópera francesa, particularmente en su uso de recitativos con acompañamiento y una ausencia general de virtuosismo vocal. De hecho, doce años después de su estreno de 1762, el 2 de agosto de 1774, Gluck adaptó la ópera para que acomodara a los gustos del público parisino en la Académie Royale de Musique con un libreto de Pierre-Louis Moline. Este nuevo trabajo en la obra recibió su nombre en francés Orphée et Eurydice y contenía múltiples cambios en el reparto vocal y en la orquestación para adaptarse al gusto francés. Esta ópera es la obra más popular de Gluck.

OTELLO

Otelo es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Arrigo Boito, a partir de la obra de Shakespeare Otelo, el moro de Venecia. Fue la penúltima ópera de Verdi, y se estrenó en el Teatro Alla Scala de Milán, el 5 de febrero de 1887. Después de terminar y estrenar su ópera Aída en 1871, Verdi decidió que era el momento de poner fin a su exitosa carrera como compositor de ópera, aunque era fácilmente el más popular, y posiblemente el más rico, compositor de Italia de la época, en gran medida como Rossini había hecho después de terminar la ópera Guillermo Tell. Otelo es la penúltima ópera de Verdi, donde demostró su madurez como artista. Junto a Aida, estrenada en 1871, y Falstaff, 1893, los críticos consideran que es una de las obras maestras del compositor. Para esta obra ya Verdi había abandonado la estructura de división en arias y recitativos, logrando un sentido de unidad y continuidad en toda la obra. Sin lugar a dudas uno de los personajes más importantes de la obra, es Yago, interpretado por un barítono. Una de las partes más conocidas de la obra es su Credo, parte del segundo acto. Otras partes destacables son el dueto de amor del primer acto, la canción del sauce y el Ave Maria, interpretadas por Desdémona en el cuarto acto, y toda la escena final, del asesinato de Desdémona y el suicidio de Otelo. Desde su estreno, los tres papeles principales de la ópera (Desdémona, Yago y Otelo) están entre los papeles más exigentes de Verdi, tanto vocal como dramáticamente. Algunos de los más ilustres cantantes de los últimos ciento treinta años han hecho de Otelo parte de su repertorio. Representa un reto para el rol principal, que ha de ser interpretado por un tenor dramático. Existe una versión anterior, de Gioacchino Rossini, con idéntico nombre, estrenada en Nápoles en 1816.

PAYASOS (PAGLIACCI)

Pagliacci es un drama en dos actos con un prólogo. La música y el libreto en italiano pertenecen al compositor Ruggero Leoncavallo y relata la tragedia de un esposo celoso y su esposa en una compañía teatral de la comedia del arte. Se estrenó el 21 de mayo de 1892 en el Teatro dal Verme de Milán, dirigida por Arturo Toscanini con Adelina Stehle como Nedda, Fiorello Giraud como Canio, Victor Maurel como Tonio y Mario Ancona como Silvio. Pagliacci fue un éxito instantáneo y sigue siendo popular hoy. Contiene una de las arias de ópera más famosa y popular, “Recitar! … Vesti la giubba” (literalmente, ¡Interpretar! … Ponte la joroba –el atuendo-).

PORGY AND BESS

Porgy y Bess es una ópera en tres actos con música de George Gershwin y libreto en inglés de Ira Gershwin y DuBose Heyward. Está basada en la novela Porgy de Heyward y en la pieza de teatro del mismo nombre coescrita con su esposa Dorothy. Las tres obras tratan sobre el estilo de vida de los estadounidenses negros en la ficticia Calle Bagre (Catfish Row) en Charleston, Carolina del Sur a principios de la década de 1930. Aportando una gran riqueza de idiomas del blues y del jazz a la ópera, Gershwin la consideraba su mejor obra, pero no fue aceptada en los Estados Unidos como una “verdadera ópera” hasta 1976, cuando la Houston Grand Opera produjo la partitura completa siendo seguida por su estreno en la Metropolitan Opera en 1985 con Grace Bumbry y Simon Estes estableciéndose como un triunfo artístico. El aria “Summertime” es la pieza más conocida de la obra, existiendo innumerables grabaciones e interpretaciones en vivo por diversos artistas, como las de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.

RIGOLETTO

Rigoletto es un melodrama en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Le Roi s’amuse, de Víctor Hugo. Fue estrenada el 11 de marzo de 1851 en el teatro La Fenice de Venecia. Está considerada por muchos una de las primeras obras maestras operísticas de Verdi. Se trata de un drama de pasión, engaño, amor filial y venganza que tiene como protagonista a Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua. A principios de 1851, el teatro de La Fenice de Venecia invitó a Verdi a componer una nueva ópera para ser estrenada allí. Verdi tomó el drama francés Le Roi s’amuse (El rey se divierte), del escritor Víctor Hugo. Era un tema muy controvertido y el propio Hugo había tenido problemas con la censura en Francia, casi veinte años antes. Tres meses antes del estreno llegó de nuevo la censura que vetó el libreto. El comunicado decía así: «El gobernador militar de Venecia, señor Gorzkowski, deplora que el poeta Piave y el célebre músico Verdi no hayan sabido escoger otro campo para hacer brotar sus talentos, que el de la repugnante inmoralidad y obscena trivialidad del argumento del libreto titulado La maledizione (tal era el título original no oficial).
El asunto se resolvió gracias a la diplomacia de los administradores del teatro. Brenna, el secretario de La Fenice, mostró a los austriacos algunas cartas y artículos representando el mal personaje pero el gran valor del artista, ayudando para mediar en la disputa. Se trasladaron a Busseto y allí se pusieron de acuerdo con Verdi y el libretista para que se cambiasen al menos estos puntos: Trasladar la acción de la Corte de Francia a un ducado de Francia o Italia; y cambiar los nombres de los protagonistas inventados por Víctor Hugo. En la versión italiana el duque gobierna Mantua y pertenece a la familia Gonzaga: los Gonzaga se habían extinguido hacía tiempo a mediados del siglo XIX, y el Ducado de Mantua ya no existía, de manera que no se podía ofender a nadie. La escena en la que el soberano se retira a la habitación de Gilda se eliminaría. La visita del duque a la taberna no sería dictada por bajos propósitos, sino provocada por un truco. El jorobado (originalmente, Triboulet) pasó a ser llamado Rigoletto (del francés rigolo = divertido). El nombre de la obra también se cambió. Verdi aceptó estos condicionantes y el contrato se firmó. Las firmas fueron tres: Verdi, Piave y Guglielmo Brenna, secretario de La Fenice. Así fue como nació la ópera Rigoletto que hoy se conoce.

ROMEO Y JULIETA

Romeo y Julieta es una ópera en un prólogo y cinco actos con música de Charles Gounod y libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, basados en el famoso drama homónimo de Shakespeare. Fue estrenada en el Théâtre Lyrique (Théâtre-Lyrique Impérial du Châtelet), de París, el 27 de abril de 1867. Destaca por su serie de dúos para los personajes principales y la canción de vals “Je veux vivre” para la soprano. Después de haber obtenido el éxito con Fausto, Charles Gounod escribió ocho ópera más. Sólo Mireille y Romeo y Julieta fueron recibidas con entusiasmo por el público. Gounod se enamoró de la historia de los amantes desgraciados de Shakespeare a los diecinueve años, cuando concurrió a un ensayo orquestal de la sinfonía dramática Romeo y Julieta de Berlioz. Aquel momento marcó a Gounod profundamente. La pieza aún no había sido publicada, pero el joven compositor memorizó largos trozos y los tocó para Berlioz días después. Convencido de que Gounod había conseguido una copia de la sinfonía, Berlioz le preguntó: “¿Cómo diablos la conseguiste “. “En uno de sus ensayos”, fue la simple respuesta.

SIMÓN BOCANEGRA

Simón Boccanegra es una ópera con música en un prólogo y tres actos, con música de Giuseppe Verdi, y libreto de Francesco Maria Piave, Giuseppe Montanelli y Arrigo Boito basado en una pieza teatral homónima de Antonio García Gutiérrez. La versión original fue estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 12 de marzo de 1857. Dadas las dificultades con la trama original, se representó una versión revisada, con cambios de Arrigo Boito, por vez primera en el Teatro de La Scala de Milán el 24 de marzo de 1881. Esta es la versión, con su escena de la Cámara del Consejo como final del Acto I, que normalmente se representa en la actualidad. Después de su estreno en el año 1857, Simón Boccanegra se vio en Malta en 1860, Madrid y Lisboa en 1861, y Buenos Aires en 1862. Pero la ópera fue revisada, y es esta versión posterior – presentada en 1881 en Milán, en Viena y París en 1882 y 1883, respectivamente — la que ha entrado a formar parte del repertorio operístico estándar.

SONÁMBULA, LA

La sonámbula es una ópera cercana con visos de opera buffa en dos actos con música de Vincenzo Bellini y libreto en italiano de Felice Romani, basada en un guion para una pantomima-ballet de Eugène Scribe y Jean-Pierre Aumer titulada La somnambule, ou L’arrivée d’un nouveau seigneur.
Es una de las tres óperas más conocidas y representadas de Bellini, junto a Norma y I Puritani. Es considerada una de las cumbres del bel canto romántico italiano. Fue estrenada en el Teatro Carcano de Milán el 6 de marzo de 1831, por los célebres Giuditta Pasta y Giovanni Battista Rubini, requiriendo técnica de coloratura muy fluida y notables habilidades vocales. El rol titular de Amina (la sonámbula del título) con su alta tesitura es conocido por su dificultad, requiriendo un dominio completo de trinos y técnica florida. Con su historia y ambientación pastoral, La sonámbula fue un éxito inmediato. En vida de Bellini, la otra gran Diva María Malibrán fue una destacada exponente del papel. La mayoría de las grabaciones se han hecho con una soprano como Amina, generalmente con notas sobreagudas y otros cambios añadidos según la tradición, aunque se estrenó en voz soprano sfogato (no confundir con la mezzosoprano moderna, inexistente en la época) que cantaba papeles de soprano y contralto sin modificarlos. A inicios del siglo XX el papel protagonista era utilizado para el lucimiento de sopranos de coloratura, quienes colmaron el rol de Amina con excesos ornamentales más propios del Barroco que del Bel canto de Bellini; fue hasta la irrupción de Maria Callas que Amina vio restaurada su esencia expresiva y dramática, y se creó la versión moderna. La frase “Ah! non credea mirarti / Sì presto estinto, o fiore” del aria “Ah! non credea mirarti” de La sonámbula está inscrita en la tumba de Bellini en la catedral de Catania, Sicilia.

TRÍPTICO, EL

El tríptico es una colección de tres óperas de un acto cada una, con música de Giacomo Puccini. Las tres óperas son: Il tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi. La obra se estrenó en la Metropolitan Opera House de Nueva York el 14 de diciembre de 1918. Cada una de las partes de esta trilogía pretendía corresponderse con las tres de la Divina Comedia de Dante: «Infierno» (Il Tabarro), «Purgatorio» (Suor Angelica) y «Cielo» (Gianni Schicchi), y Puccini no quería que se representaran por separado. Después del éxito de Tosca en 1900, Puccini empezó a planear una obra que comprendiese tres óperas en un acto. De hecho, está pensando en el rotundo éxito de las óperas de Mascagni (Cavalleria rusticana) y de Leoncavallo. Después de la creación de Madame Butterfly en 1904, mientras está leyendo en un tren la Divina Comedia de Dante, comienza a pensar en una trilogía compuesto por un panel de tres óperas en un acto, cada una basada en un pasaje de la Divina Comedia. Sin embargo, al final sólo se basó en el poema épico de Dante para Gianni Schicchi.

TOSCA

Tosca es una ópera en tres actos, con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Fue estrenada con éxito en Roma, el 14 de enero de 1900, en el Teatro Costanzi. El texto de la obra está basado en un intenso drama, La Tosca, de Victorien Sardou, presentado en París en 1887, donde actuaba la gran actriz Sarah Bernhardt. Tosca es considerada una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano, por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas del repertorio. El argumento combina amor, intriga, violencia, pasión y muerte. Junto a Madama Butterfly y La Bohème, integra el trío de óperas más conocidas de Puccini.
Las escenas más impactantes son el Te Deum del final del primer acto, y las arias Vissi d’arte (para Tosca) y E lucevan le stelle (para Mario). Dramáticamente, el segundo acto es de una intensidad inigualada por otra obra de Puccini. La acción transcurre en Roma, el 14 de junio de 1800, cuando Napoleón vence a los austríacos al mando del general Michael von Melas en la batalla de Marengo.

TRAVIATA, LA

La traviata es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias (1852), al parecer está basada en la vida de una cortesana parisiense, Alphonsine Plessis. Fue estrenada, sin éxito, en el teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853. El público se burló de la representación varias veces, dirigiendo sus burlas sobre la soprano Fanny Salvini-Donatelli que interpretaba a Violetta. Salvini-Donatelli, aunque una cantante aclamada, fue considerada demasiado vieja (a los 38), no sólo eso, tenía sobrepeso de manera que no encajaba con el papel dramático de Violetta Valery quien muere de consunción. Verdi había intentado previamente convencer al gerente de La Fenice para dar el papel a una mujer joven, pero sin éxito. A pesar de todo, el primer acto encontró el aplauso al final; pero en el segundo acto, el público empezó a volverse en contra de la representación, especialmente después de cantar el barítono (Felice Varesi) y el tenor (Lodovico Graziani). Al final de la ópera, el público rió a carcajadas en vez de apreciar el final trágico. El día después, Verdi escribió a su amigo Muzio en lo que ahora se ha convertido quizás en su carta más famosa: «La traviata anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes El tiempo lo dirá». Después de algunas revisiones entre 1853 y mayo de 1854, que afectaron principalmente a los actos II y III, la ópera se representó de nuevo en Venecia, esta vez en el Teatro San Benedetto. Esta representación fue un éxito de crítica, en gran medida debido al retrato de Violetta hecho por Maria Spezia-Aldighieri. Desde entonces su popularidad ha sido constante y se ha mantenido en el repertorio hasta la actualidad.

TROVADOR, EL

El trovador es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra de teatro El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez. Cammarano murió a mediados del año 1852 antes de terminar el libreto. El joven libretista Leone Emanuele Bardare,tomó a su cargo las revisiones que se notan en gran medida en la ampliación del papel de Leonora. La ópera se representó por vez primera el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma donde “comenzó una marcha victoriosa a través del mundo operístico”. La trama -intricada y novelesca- se desarrolla entre Vizcaya y Aragón en el marco de la revuelta de Jaime de Urgel, a principios del siglo XV, contra Fernando de Antequera. Leone Emanuele Bardare, que trabajó bajo las precisas instrucciones del compositor, cambió la métrica de la canción de Azucena (de septetos a dobles quintetos) y añadió el cantable de Luna (Il balen del suo sorriso) y el de Leonora (D’amor sull’ali rosee). En 1857 Verdi revisó la partitura a raíz de su estreno en París, añadiéndole un ballet.

TURANDOT

Turandot es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni. La ópera, inconclusa por la muerte de Puccini, fue completada por Franco Alfano y estrenada el 25 de abril de 1926 en La Scala de Milán. En el tercer acto se encuentra una de las arias más conocidas para tenor, Nessun dorma, que representa la victoria del amor sobre el odio, donde Calaf clama que nadie se duerma para descifrar el nombre del joven héroe. Otro aspecto musicalmente notable es el enfrentamiento entre tenor y soprano, en el segundo acto, que muchos comparan con lo que hizo antes Puccini en Tosca, también en el segundo acto, cuando enfrenta las voces del barítono y la soprano, Scarpia y Tosca.
Turandot es un nombre de origen persa que significa ‘La hija de Turán’. Turán es una región de Asia Central que pertenecía al Imperio persa. El origen de la historia de Turandot se remonta al poema titulado Las siete bellezas o Las siete princesas, obra de Nezamí Ganyaví, uno de los grandes poetas épicos de la literatura persa. Este poema relata la historia de un príncipe persa de la época Sasánida, que tenía 7 princesas, cada una de ellas proveniente de un lugar distinto del imperio: Egipto, China, Rusia, Grecia, Turquía, India, Asia central. Una de estas princesas, de origen ruso, no encontraba ningún hombre que fuera digno de ella, y por eso se encerró en una fortaleza y declaró que se entregaría al hombre que la encontrara y pudiera resolver una serie de enigmas. Pero una vez resueltos los enigmas, debía pasar por su “puerta secreta guardada por misteriosas espadas que amenazan con decapitar al intrépido”.
El estreno de Turandot se realizó en La Scala de Milán, el 25 de abril de 1926. El director era Arturo Toscanini. En la mitad del acto tercero, dos compases luego de las palabras “Liù, poesía!”, la orquesta se detuvo, Toscanini bajó la batuta, se volvió al público y dijo “Qui il Maestro finí” (“Aquí terminó el maestro”). El telón descendió lentamente. Las representaciones posteriores incluyeron el final compuesto por Alfano.
Existe una versión anterior, de idéntico título, basado en la misma historia, compuesta por Ferruccio Busoni, estrenada en Zurich en 1917.

UN BAILE DE MÁSCARAS (UN BALLO IN MASCHERA)

Un baile de máscaras es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Antonio Somma, basado en el libreto de Eugène Scribe que se basó vagamente en el asesinato histórico del rey Gustavo III de Suecia. El tema era bien conocido porque había sido usado por otros compositores, incluyendo a Daniel Auber para su ópera de 1833 Gustavo III, o El baile de máscaras y más tarde por Saverio Mercadante para su ópera Il reggente en 1843. En 1792, el rey de Suecia, Gustavo III, fue asesinado, como resultado de una conspiración política contra él. Recibió un tiro mientras estaba en un baile de máscaras y murió 13 días más tarde por sus heridas. Sin embargo, para convertirse en Un baile de máscaras que se conoce hoy, la ópera de Verdi (y su libreto) se vio obligado a sufrir una serie de transformaciones, causadas por una combinación de normas de censura tanto en Nápoles como en Roma, así como por la situación política en Francia en enero de 1858.

VIUDA ALEGRE, LA

La viuda alegre es una opereta en tres actos con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia L’attaché d’ambassade (1861) de Henri Meilhac, relativa a una rica viuda, y el intento de sus paisanos de mantener su dinero en el principado encontrándole un buen marido. Fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género. La opereta se estrenó en el Theater an der Wien en Viena el 30 de diciembre de 1905 con Mizzi Günther como Hanna, Louis Treumann como Danilo, Siegmund Natzler como el barón Zeta y Annie Wünsch como Valencienne. Fue el primer gran éxito de Lehár, convirtiéndose internacionalmente en la opereta más conocida de la época. Lehár posteriormente hizo cambios para las producciones de Londres en 1907 (dos nuevos números) y Berlín en los años veinte, pero la versión definitiva es básicamente la de la producción original.